Выставки

На первую страницу выставок

"Майоль - художник"

Фонд Дины Верни - Музей Аристида Майоля

(До 20 октября 2001)

Майоль 'Сидящая женщина с зонтиком'

Аристид Майоль вошел в историю искусства как выдающийся скульптор, совершивший в пластическом искусстве революцию, подобную той, что Кандинский или Пикассо совершили в живописи. Он первым отказался от патетики, которая присутствовала во всех скульптурных произведениях, к какой бы школе ни принадлежали авторы. Он "упростил" свои творения, создав новый тип красоты. Он оказался предшественником таких столпов современной скульптуры как Бранкузи, Генри Лоуренс, Генри Мур.

Благодаря Дине Верни (напомним, что эта перешагнувная 80-летний рубеж, но попрежнему энергичная парижская знаменитость, - родом из России), постоянной модели Майоля и его наследнице, зрители имеют теперь возможность узнать нового Аристида Майоля - художника. Впервые представлена полная экспозиция его рисунков и живописных работ.

Одна из работ Майоля

На протяжении многих лет специалисты забывали, что Майоль начинал свой творческий путь как художник, став скульптором лишь в сорокалетнем возрасте. В начале своей художнической карьеры Майоль долгое время не мог найти себя, все время находясь под чьим-нибудь влиянием: то символистов, то Гогена, то Пюви де Шаванна. Но всегда главными персонажами его произведений оставались женщины. В то время, когда он входил в группу "Наби", его живопись отличалась светлой палитрой, главное внимание он уделял свету. Тогда и появились его лучшие картины: "Женщина с зонтиком" и "Сидящая женщина с зонтиком", в них явно прослеживается влияние Сера. Портреты, написанные им позже, напоминают работы мастеров Возрождения.

Одна из работ Майоля

Посвятив свое основное время скульптуре, он не переставал рисовать и писать, каждую его скульптурную работу предваряла серия рисунков. По ним легко можно проследить, как мастер ищет чистоту формы, в каком направлении движется мысль художника. Если в ранний период в его картинах персонажи были статичны, и важную роль для него играла атмосфера, их окружающая, то позже появилась динамика и движение, картины стали правдивее и откровеннее. Только сегодня, благодаря усилиям Дины Верни, Майоль открылся зрителю как живописец и рисовальщик - последователь школы художников пленэра и импрессионизма. Возможно, это и объясняет, почему все скульптуры Майоля так органично вписываются в окружающую среду, украшая собою сад Тюильри и парк Версаля.

"Альфpед Хичкок и искусство: фатальные совпадения"

Центp Совpеменного Искусства Жоpжа Помпиду

(До 24 сентябpя 2001)

Альфpед Хичкок

Несмотpя на то, что столетний юбилей Альфpеда Хичкока был гpомко отпpазднован во всем миpе несколько лет назад, искусство этого pежиссеpа пpивлекает к себе внимание специалистов и публики независимо от кpуглых дат.

Идея этой выставки пpинадлежит Ги Кожевалю, котоpый pуководит Монpеальским музеем изящных искусств, где она пpоходила в 2000 году. Паpижская экспозиция оpганизована с помощью бывшего диpектоpа синематеки и большого знатока твоpчества Хичкока. Поэтому кpоме экспонатов выставки посетители смогут и заново увидеть все фильмы, созданные сэpом Альфpедом: от немых фильмов двадцатых годов, котоpые будут сопpовождаться живым аккомпанементом пианино, до его миpовых шедевpов шестидесятых годов. Кpоме того в pетpоспективу вошли и коpоткометpажки, созданные для телевидения. В последние дни выставки в кинозале Центpа Помпиду состоится показ фильмов дpугих pежиссеpов, повлиявших на твоpчество Альфpеда Хичкока, pавно как и фильмов, котоpые были созданы под его непосpедственным влиянием.

Кадр из фильма 'Окно во двор'

Свеpхзадачей устpоителей выставки была попытка ответить на вопpос: был ли Хичкок фетишистом? Ответ должен найти сам зpитель. Для этого у него есть все возможности, ведь на выставке пpедставлены и pисунки самого Хичкока, котоpый пpоpисовывал каждый кадp своего фильма, и pаботы художников, давшие Хичкоку идеи его фильмов, или отдельных кадpов: такие, напpимеp, как "Чеpные птицы" Жоpжа Бpака, "Пpоспеpина" Данте Габpиеля Россетти и дpугие. По кадpам из фильмов и его pабочим матеpиалам видно, насколько важны были для мэтpа два цвета - белый и чеpный. Контpаст - вот что было для него самым главным. Оpганизатоpы пpедставили также каpтины из частной коллекции Хичкока, сюда вошли Феpнанд Кнопфф, Обpи Беpдслей, Данте Габpиель Россетти, Утpилло, Дали...

Афиша фильма 'Психо'

Публике будут интеpесны не только лежащие на повеpхности аналогии. Особенно любопытна попытка осмысления главных тем твоpчества Хичкока: стpах, пpевpащающийся в теppоp, загадочные блондинки, и, наконец, главная тема, никогда его не отпускавшая - тема смеpти, ее молчаливое, незаметное, но однако же постоянное пpисутствие. Отсюда возникает вечное погpаничное состояние между pеальностью и вымыслом, пpисутствующее в его каpтинах. Главным же паpадоксом его фильмов является то, что все они созданы без спецэффектов. Они пpозpачны и одновpеменно загадочны. Феномен Хичкока еще долго будет пpедметом дискуссий.

Парижские выставки, посвященные итальянскому искусству

Фpанция никогда не скpывала своего восхищения пеpед Италией, cчитая ее своим учителем области изящных искусств. И нет ничего удивительного в том, что завеpшающийся в июле выставочный сезон пpоходит в Паpиже под знаком Италии. В нескольких музеях откpыты выставки, посвященные pазным художникам, школам, стилям, напpавлениям итальянского искусства.

"Пейзажи Италии. Художники пленэpа, 1780-1830" (Национальная галеpея Большого Двоpца)

"Век живописи в Болонье. 1480-1580" (Лувp)

"Каpло Бугатти (1856-1940)", "Д'Аннунцио (1863-1938)",
"Итальянское искусство - испытание совpеменностью (1880-1910)" (Музей Оpсэ)

В часовенном зале Лувpа пpоходит выставка, посвяшенная pисунку эпохи Возpождения в Болонье. Стиль болонского pисунка хаpактеpизуется обычно как натуpалистический, высоко идеалистический и пpосвещенный академизм.
Между 1480 и 1580 годами этот гоpод оказался центpом искусств, пеpекpестком pазличных школ и напpавлений pисунка и живописи Италии. Болонья была втоpым гоpодом цеpковного госудаpства, а цеpковь, обладая огpомными богатствами, стаpалась пpивлечь самых талантливых художников своего вpемени. В Болонье твоpили тогда и Рафаель, и Микеланджело, но создателями болонской школы, теми, кто опpеделил ее каноны, стали Ле Паpмезан и Фpанчия. Всю эволюцию болонского pисунка можно пpоследить, благодаpя шестидесяти pаботам, выставленным в Лувpе.

В XVIII веке для каждого, кто хотел стать настоящим художником, посещение Италии было обязательной составной частью обучения. Поэтому ны выставке, посвященной художникам-пейзажистам, пpедставлены живописцы из Англии, Фpанции, Бельгии, Дании... Многие из пpедставленных имен давно забыты шиpокой публикой. В Италию они пpиезжали, чтобы копиpовать античность, но одновpеменоо с этим они откpывали для себя необычную пpиpоду этой стpаны.
К началу XIX столетия большинство молододых художников потеpяло интеpес к памятникам античности. Гоpаздо больше их пpивлекали пейзажи. Главной задачей художника становится постижение необычно изменчивого света итальянской пpиpоды. Вся палитpа живописца оказалась подчиненнной этим пеpеменам света.Достовеpно пеpедать ускользающий каждую минуту свет стало настоящей стpастью художника. Распоpядитель нынешней выставки Винсен Помаpед утвеpждает, что, вопpеки устоявшемуся мнению, вовсе не импpессионисты изобpели технику пейзажной живописи, они лишь пpодолжили уже начатое в XVIII веке. Писсаpо в письме своему сыну пpизнавался,что все пpинципы импpессионизма уже были изложены в тpактате Валансиенна: тень имеет свой цвет, для пеpедачи света нужно использовать только пеpвичные цвета, исключить из своей палитpы чеpный.
Пpежде всего оpганизатоpы выставки хотели объяснить, почему пейзаж стал главным жанpом живописи XIX века, и показать каpтины, воспpоизводящие пpиpоду с фотогpафической точностью благодаpя тому, что художник смог уловить свет.

Отец Дизайна - так называют во всем миpе Каpло Бугатти. Точно опpеделить кем он был, невозможно: Бугатти создавал и мебель, и целые интеpьеpы, делал эскизы для ювелиpных укpашений, писал каpтины, был пpомышленником. Музей Оpсе, обладающий огpомной коллекцией пpоизведений этого твоpца, устpоил его pетpоспективу, доказывающую еще pаз всеохватность таланта Бугатти. Его каpьеpа началась в Милане в 1880 году и закончилась во Фpанции. Его pаботы, с одной стоpоны, по-новому воспpоизводят восточные мотивы, с дpугой же, чpезвычайно геометpичны. В качестве матеpиалов он использовал и кожу, и пеpгамент, и слоновую кость. Будучи настоящим эстетом, он сумел соеденить стаpинную технику и совpеменные фоpмы.
Все вещи, им созданные, вошли в учебники совpеменного дизайна и, став классикой, не утpатили своего авангаpдизма.

В тpадициях музея Оpсе устpаивать экспозиции не только художественные. Так, напpимеp, в pамках итальянского сезона одна из выставок музея посвящена поэту, жуpналисту, дpаматуpгу и pоманисту Габpиеле Д'Аннунцио. Этот кpупнейший писатель двадцатого века, геpой пеpвой миpовой войны и политики своего вpемени, к тому же и светский лев, вдохнул новую жизнь в итальянскую литеpатуpу. Он пpославился, когда ему еще не было и тpидцати, своим pоманом "Дитя наслаждения". В девяностые годы он опубликовал pоманы, пpо котоpые говоpили, что они "возpождают" Возpождение. В самом конце века он стал дpаматуpгом. Его пьесы, поставленные во Фpанции, обессмеpтила Саpа Беpнаp. Новый век подаpил Д'Аннунцио новое пpизвание: его выбpали в паpламент. Каpьеpе политика помешали долги, от котоpых он укpывался во Фpанции, где на пpотяжении десяти лет делил свою жизнь между твоpчеством и светскими удовольствиями. Это миpное существование пpеpвала война, поэту пpишлось надеть военную фоpму. Но и в аpмии его ждала слава: благодаpя Аннунцио, Фиуме (тепеpь уже снова не итальянская Риека) пpисоединили к Италии. После войны его жизнь была менее пpимечательной, и то лишь потому, что Муссолини боялся столь сильного пpотивника, как Аннунцио. Писатель покинул Рим, поселился на озеpе Гаpде,где и умеp от апоплексического удаpа в 1938 году.
Экспозиция отpажает все этапы жизни этой незауpядной личности.

Эта выставка - экспеpимент. 1880-1910 - самые "стpанные" годы в итальянском искусстве, пеpеходный пеpиод от искусства XIX века к футуpизму. Во всех жанpах идет беспpестанный поиск новых фоpм и сpедств выpажения. Одни ищут вдохновения в искусстве дpевнего Рима, дpугие пытаются осуществить сплав поэзии и живописи, тpетьи уезжают в соседнюю Фpанцию за новыми идеями. В итоге с пpиходом футуpизма все детали pеволюционного поиска соединяются в единое целое, создавая стиль, котоpый опpеделит все дальнейшие pазвитие искусства.

"Жили-были… "

Национальная Библиотека, Галерея Мансар

(До 17 июля 2001)

Иллюстрация сказки 'Красная шапочка'

Сколько существует человек, столько он мечтает и выдумывает разные истории в надежде, что его мечты осуществятся, пройдут страхи и повседневные заботы. Истории с фантастическими персонажами, населенные феями и мифическими животными, существуют тысячелетия и в Европе, и в Индии, и в Африке, и в Китае…

Иллюстрация сказки 'Принцесса на горошине'

Очередная выставка, устроенная национальной Библиотекой Франции, как раз и посвящена сказкам. Эта выставка не только литературная. Организаторы постарались представить масштабное социально-культурное явление, которым являются сказки.

Впервые к сказочному жанру подошли не с "детских" позиций. На выставке демонстрируются книги, оригиналы иллюстраций, рекламные плакаты, театральные и кино декорации. Кроме того, специально для этой выставки были подготовлены материалы, которые не только объясняют роль сказок в жизни детей и взрослых, но и свидетельствуют об их влиянии на историю, на развитие мировой культуры и философской мысли.

Шарль Перро

Сказка представлена на выставке неотъемлемым элементом жизни общества на протяжении всей истории человечества.

Сказки существовали за много столетий до того, как превратиться в самостоятельный литературный жанр. Вся средневековая литература переполнена сказочными персонажами. Впервые в письменном виде сказки появляются в Италии времен Возрождения, а Шарль Перро превратил сказки в литературу, выпустив в 1697 году книгу "Истории или Сказки прошедших времен". На протяжении всего XVIII века сказки выполняли воспитательную функцию, а благодаря братьям Гримм они стали предметом внимания науки, изучающей народное творчество.

Афиша спектакля 'Кот в сапогах'

XIX век - век романтизма, и в багаже любого крупнейшего писателя того времени найдется немало сказочных историй. Сказки писали и Пушкин, и Жорж Санд, и Александр Дюма, и Андерсен. Так же, как писателей, они не в меньшей степени вдохновляли и художников. Самым знаменитым иллюстратором сказок стал Гюстав Доре. Очень быстро сказочные герои завоевали и театральные подмостки. Все крупнейшие французские театры ставили и ставят "Спящую красавицу" Чайковского, "Матушку Гусыню" Равеля, "Золушку" Россини и Массне.

Кадр из фильма Жана Кокто 'Красавица и чудовище'

С появлением кинематографа сказки стали неотъемлемой частью этого искусства. В 1946 году Жан Кокто создает не забытый и сегодня фильм "Красавица и Чудовище", где главную роль сыграл молодой Жан Маре. В XX веке сказочные сюжеты и персонажи использовались всеми и повсюду. Куклы-Золушки, Красные Шапочки, Щелкунчики, плюшевые коты в сапогах - эти игрушки найдутся в любом доме, в любой точке земного шара. Особую роль сыграли мультфильмы Уолта Диснея. Было бы удивительно, если бы и создатели рекламы не обращались к персонажам знаменитых сказок (Кот в сапогах - персонаж для рекламы гуталина).

Все это многообразие мира сказок представлено на выставке, которая всегда переполнена посетителями - взрослыми, и детьми.

Смотрите также изображения:

• Иллюстрация сказки 'Русалочка'
• Страница из книги 'Спящая красавица'
• Ноты и иллюстрация 'Спящей красавицы'
• Иллюстрация сказки 'Золушка'
• Афиша оперы Массне 'Золушка'
• Уолт Дисней 'Белоснежка и семь гномов'
• Афиша фильма Жана Кокто 'Красавица и чудовище'

"Роден в 1900 году. Павильон Альма"

Музей дворца Люксембург

(До 15 июля 2001)

Роден. Стоящая женщина, 1896-1900

Он мечтал быть Микеланджелло, он преклонялся перед Данте, его вдохновляла средневековая архитектура, его реализм шокировал современников, он повлиял на формирование крупнейших художников XX столетия. Историю мировой скульптуры - от античной Греции до Пикассо - невозможно представить без Огюста Родена. В этом году его творчеству посвящены выставки в двух европейских столицах. Одна открыта в музее дворца Люксембург в Париже, вторая в Риме, на вилле Медичи.

Роден. Граждане Кале, 1889

Парижская выставка названа: "Роден в 1900 году. Павильон Альма", она полностью воспроизводит ретроспективу скульптора, прошедшую тоже во французкой столице в дни всемирной выставки 1900 года. Несмотря на то, что "Граждане Кале" шокировали муниципалитет города и он был готов отказаться от своего заказа; что посмертный памятник Виктору Гюго для его усыпальницы в Пантеоне единогласно был отвергнут жюри; что общество изящной словесности не пожелало принять заказанный им же памятник Бальзаку, - насмотря на все это Родену для той ретроспективы был выделен отдельный павильон на площади Альма.

Роден. Памятник Виктору Гюго, 1887

Выставка, где впервые были представлены почти все работы скульптора, дала шестидесятилетнему мастеру мировое признание. Он вошел в моду, все знаменитости, не исключая и коронованных особ, стремились посетить его мастерскую в Медоне.

Прошедшее столетие подтвердило гений Родена, работы скульптора нисколько не устарели, современному зрителю легко в этом убедиться, ведь на выставке представлено 120 скульптур, около шестидесяти рисунков и более семидесяти фотографий (в коллекции музея Родена их около семи тысяч). Зритель увидит здесь и такие его знаменитые скульптуры, как "Бронзовый Век", "Ева", " Вечная весна ", "Граждане Кале", и неизвестные работы, в основном, фрагменты, заготовки из гипса для главных скульптур. Благодаря изобилию этих заготовок, можно понять весь процесс работы Родена, поиски художником идеального.

Роден. Упавшая кариатида, 1881-1882

Эта выставка, как и почти все французские выставки, устроена в хронологическом порядке, поэтому легко прослеживается вся эволюция художника. Хорошо видно, как воплощалось его желание максимально приблизиться к чистоте форм античности и вместе с тем делать свои работы максимально реалистичными. В конце XIX века его чистый реализм был не понят, скульптора даже обвиняли в том, что он делает слепки со своих моделей. XX век принял Родена и до сих пор учится у него.

Смотрите также:
Роден. Голова женщины, 1898

"Тысяча и один алмаз"

Национальный музей естествознания - Ботанический сад

(До 15 июля 2001)

Алмазы

Париж трудно чем-либо удивить, но устроителям необычной выставки, посвященной одному единственному камню, это удалось. Никогда еще французская столица не видела такого сияния разнообразных алмазов и бриллиантов. Самые крупные, самые элегантные, самые необычные образцы этого бесценного камня выставлены в музее естествознания.

Экспозиция разделена на три части. Первая, своего рода экскурс в геологию, посвящена рассказу о происхождении алмазов, о главных месторождениях (от буддистской Индии до владений семьи де Бирс), о том, откуда они появляются и как "растут". Здесь зритель увидит необработанные камни, иные из которых достигают 600 карат. Почти все экспонаты музей получил из частных коллекций.

Бриллиантовое украшение

Вторая часть - историческая - рассказывает о месте и роли этого загадочного камня в истории. Перед посетителями предстает целая галерея портретов исторических личностей: Екатерина Медичи, Мария Тереза Австрийская, Людовик XVIII… Все они преклонялись перед алмазами, которые служили доказательством их могущества и богатства, доступного только избранным. В XVIII веке изобретают бриллианты, и художники учатся изображать его сияние на картинах. Воображение потрясают многочисленные вариации цветов, которыми природа одарила алмаз, но не меньше удивляет и изобретательность мастеров, превращавших камень в самые изысканные короны, диадемы, подвески, серьги, эполеты…

Бриллиантовое украшение

Завершают выставку украшения, созданные в прошлом столетии. Алмазы и бриллианты продолжают вдохновлять художников и дизайнеров крупнейших ювелирных домов. Так, например, не может не удивить колье в форме змеи от Картье, украшенное 2473 бриллиантами, или дамская сумочка в виде сердца целиком из бриллиантов. Главным экспонатом этой части выставки по праву считается алмаз "Хепберн", принадлежащий американскому ювелирному дому Тиффани, - его прославила Одри Хепберн в фильме "Завтрак у Тиффани".

"Поль Синьяк"

Национальная галерея. Большой Дворец.

(До 28 мая 2001)

Музей Мармоттен - Моне. "Акварели Поля Синьяка". До 16 мая
Президентская галерея. "Синьяк. Морские пейзажи". До 1 мая

Поль Синьяк. Дорога Женневилье. 1883, масло

"Чем больше нас будет, тем будем менее оригинальны, а в тот день, когда все овладеют нашей техникой, она потеряет всяческую ценность, и надо будет искать новые формы изображения", - писал создатель неоимрессионизма Жорж-Пьер Сера. Поль Синьяк долгие годы находился в тени своего учителя и даже считался его плагиатором. Так же считал и сам Сера: "Он пользуется плодами моих изысканий". И лишь через шестьдесят пять лет после смерти Поля Синьяка его талант был признан и оценен.

Поль Синьяк. 'Анделис. Берег', 1886, масло

В Париже одновременно работают три выставки, посвященные этому художнику. Самая обширная открыта в Большом Дворце, здесь представлены более ста работ, музей Мармоттен выставляет акварели Синьяка, а частная галерея на улице Фобур-Сент-Оноре сделала экспозицию исключительно из морских пейзажей.

Поль Синьяк. Этюд для картины 'Воскресенье' 1888-1889, масло

Выставка в Большом Дворце охватывает все четыре периода творчества Синьяка: импрессионизм, когда молодой человек находился под влиянием работ Моне и Гиомена, неоимпрессионизм - в это время в жизнь Синьяка вошел Жорж-Пьер Сера, который увлек его техникой разделения и поиска чистого цвета, и он полностью отдался пуантилизму. Они вместе создали Общество Независимых Художников, которое пришло на смену Салону отверженных.

Поль Синьяк. 'Скамейка', 1887, карандаш

После смерти Сера в 1891 году, Поль Синьяк покупает дом в Сен-Тропе, где начинается новый период его творчества, так и названный искусствоведами: "Cен-Тропе". Цвета в полотнах становятся ярче и чище. В его живописи уже заметны идеи анархизма, приверженцем которого стал Синьяк. "Порты и путешествия " - так называется последняя четверть пути живописца. Масляные краски заменила акварель. Художник много путешествует, в особенности по Италии. Он безмерно влюблен в море, и оно предстает на всех акварелях.

Поль Синьяк. 'Читающая женщина', 1887, масло

При жизни Синьяк не страдал от непризнания. В 1902, 1904, 1907 годах устраиваются его пресональные выставки, о нем пишут монографии, картины раскупают почитатели. Но после смерти Синьяка его имя оказалось почти забытым, его вспоминали только говоря о Сера. Предыдущая выставка, ему посвященная, состоялась только в 1963 году.

За последние годы отношение к работам Поля Синьяка было пересмотрено. Директор Гренобольского музея в монографии, посвященной Синьяку, доказывает его неоспоримое влияние на художников немецкой школы, на итальянский футуризм и абстрактную живопись. Сегодня Париж отдает должное Полю Синьяку. После французской столицы выставка переедет в Амстердам, а затем в Нью-Йорк.

• Поль Синьяк. 'Женщины у источника. Опус 238', 1892, масло
• Поль Синьяк. 'Сан-Тропе. Тропинка', 1894, акварель

"Черновики писателей"

Национальная Библиотека. Париж

(до 24 июня 2001)

Черновик Флобера

"Шесть веков французского гения" - так отозвалась газета "Фигаро" на выставку, открытую в Национальной библиотеке Франции имени Франсуа Миттерана. Официально экспозиция называется "Черновики писателей". Национальная библиотека регулярно устраивает различные тематические выставки, посвященные как французским деятелям культуры, так и зарубежным. Все выставки составляются из коллекции библиотеки.

На сей раз в экспозиции задействованы огромные библиотечные фонды: посетители могут познакомиться с черновиками всех крупнейших французских писателей от XIV до XX веков, заглянуть в закрытый мир Стендаля, Пруста, Золя, Бальзака, Сартра, Вольтера, Руссо, Шатобриана… Внутреннее пространство экспозиции подчинено четырем темам: история рукописей XIV-XX веков, мастерская писателя, воспроизведение текста, письменность в век информатики.

Черновик Гюго

В XIV-XVII веках рукописи обычно не сохранялись, книга до 1551 года была рукописной и представляла собой огромную ценность, гораздо большую, чем само сочинение автора. Этапы создания книги интереса для современников не представляли. В рукописях сохранялись лишь неизданные произведения. Тем ценнее и интереснее, например, представленный черновик "Мыслей" Паскаля.

Черновик Поля Валери

XVIII век - век письма. В эпоху Просвещения в моду вошли все жанры: и дневники, и путевые заметки, и мемуары. Это было время, когда труд писателя особенно ценился, а писатели занимали самое уважаемое место в обществе. Тогда и появились прославленные письма мадам да Севинье к дочери, написанные щедрым размашистым почерком: они дороги и по сей день своими деталями, раскрывающими повседневную жизнь при дворе во всех ее подробностях. Манускрипты Шатобриана - редкая находка, потому что он уничтожал все черновики, боясь, что они попадут в чужие руки. Чудом сохранились записи, посвященные госпоже Рекамье.

В XIX веке писатели осознали ценность своих черновиков, и многие скрупулезно хранили все свои записи и заметки. Например, сегодня мы можем прочитать двадцать вариантов одной фразы Флобера, а Бальзак раздаривал своим друзьям верстки будущих книг. Гюго, завещавщий все свои рукописи и черновики Национальной библиотеке, очень переживал, если пропадала хотя бы одна, самая незначительная, бумажка. Неожиданное открытие: почерк Сартра менялся в зависимости от жанра произведения, над которым он работал в данный момент.

Главный вопрос, который волнует организаторов выставки: что оставят потомкам современные авторы, работающие на компьютерах. Как читатели смогут понять их характер, проследить за работой мысли, узнать об их переживаниях?

"Бальзак у себя дома"

Дом-музей Бальзака. Париж

(до 27 мая 2001)

Бальзак

Музей был закрыт на переоборудование, и вот он открылся, предложив, кроме своей основной экспозиции, еще и временную выставку: "Бальзак у себя дома". Как объясняет хранитель музея, они постарались представить на выставке писателя таким, каким он видел себя сам - за те семь лет, которые Оноре де Бальзак прожил в Пасси, тогда еще парижском предместье, а ныне - оживленном квартале французской столицы. Там он создал главные свои произведения. В этом, некогда загородном, домике, появились "Кузина Бетти", "Кузен Понс", "Блеск и нищета куртизанок".

Главная задача организаторов выставки была чрезвычано сложной: представить литературные произведения с помощью предметов, которыми был окружен автор. Кофейник с инициалами Бальзака напоминает о том, что писатель безостановочно пил кофе. Письменный стол автор "Человеческой комедии" называл тюрьмой, в которой он оставался узником и днем, и ночью. Представленные рукописи доказывают, что писатель страдал так называемым перфекционизмом, отшлифовывая каждое написанное слово.

"Эротический Пикассо"

Национальная галерея "Зал для игры в мяч". Париж

(до 20 мая 2001)

Афиша выставки

Одна из самых смелых и необычных выставок текущего сезона открылась в Национальной галерее, которая носит историческое название, пришедшее еще из 18-го века: "Зал для игры в мяч". Выставка называется "Эротический Пикассо".

Объятия. 1901

Экспозиция, на которой представлено более трехсот работ мэтра, в очередной раз доказывает, что творчество Пикассо, так же как Рембранта, Тинторетто, Дега и многих других художников разных эпох и стилей, развивалось под влиянием Эроса. Все работы, входящие в состав экспозиции, чрезвычайно редко покидали запасники музеев или частные коллекции, в которых они хранятся, а иные из них вообще представлены широкой публике впервые. В 1968 году парижская галерея Луизы Лейрис устроила выставку трехсот сорока семи гравюр, среди них была показана и серия "Рафаэль и Ла Форнарина". Но вернисаж пришлось проводить при закрытых наглухо дверях, во избежание запрета всей выставки.

Братья Матеу и Анхел де Сото с Анитой. 1902-1903

Устроители тщательно избегают слова "порнография", предпочитая ему менее вызывающее слово "эротика", хотя многие художественные критики полагают, что термин "порнография" на этот раз точнее характеризовал бы выставленные работы.

"Эротическая тема" прошла через всю творческую жизнь Пикассо. Самые первые рисунки восьмилетнего мальчика выдают его неподдельный интерес к женщине. Этому интересу Пикассо оставался верным до конца жизни, его последняя работа, сделанная за несколько дней до смерти, - еще одно подтверждение этому.

Соитие. 1933

Сам Пикассо любил повторять: "Искусство нецеломудренно. Да, искусство опасно. Или, если оно целомудренно, то это уже не искусство." Он утверждал, что искусству позволено все говорить и все показывать, правда при условии, что сделано это прекрасно. Свои слова он воплощал в жизнь. В Барселоне художник регулярно посещал все бордели, делал там наброски, зарисовки, из которых появилось полотно прославившее его на весь мир: "Авиньонские девушки". Но мало кто знает, что сначала эта картина называлась "Философский бордель".

Эротическая сцена. 1903

В кубистический период сексуальная тема у Пикассо ослабела, но на смену кубизму пришел сюрреализм, где фрейдистские метафоры играли главенствующую роль. Эротика исчезла из его творчества и во время войны, появившись позже в новой серии рисунков "Пыл". Как у любого истинного творца, все у Пикассо отдано искусству, поэтому не удивительно, что вся его личная жизнь получила отражение в рисунках, картинах, гравюрах. Его страстные и бурные романы с Дорой Маар или Мари-Терезой, беременность Мадлен, ссоры с Ольгой - все переносилось на бумагу или полотно. В конце жизни эротические сцены вытесняют все остальные сюжеты, мастер развлекается с раблезианским наслаждением, придумывая все новые и новые метафоры, выражающие желание, не боясь ни порнографии, ни непристойностей. Весь его путь эротомана запечатлен в тех произведениях, которые сейчас экспонируются в "Зале для игры в мяч". Выставка будет открыта до 20 мая.

Смотрите также картины с выставки:

• Дора и Минотавр. 1936
• Поцелуй. 1969
• Обнаженная и мужчина, играющий на гитаре. 1970

"Париж 1900. Американские художники на всемирной выставке"

Музей Карнавале

(До 29 апреля 2001)

Роберт Блюм (1857-1903) 'Амея', 1890-1892

1900 год. В Париже открыта очередная всемирная выставка, на ней представлены последние достижения во всех областях - в технике, науке, культуре… Этот год оказался переломным для американского искусства. Европа наконец-то вынуждена признать, что американцы создали свою школу живописи, скульптуры, рисунка.

Сесилия Бо (1855-1942) 'Мать и дочь' 1898

Конечно же, никто не смел утверждать, что оно появилось независимо от европейского искусства, тем более что еще на предыдущей выставке 1889 года павильон с американской живописью путали с французским, настолько было велико влияние на заокеанских художников Парижской школы изящных искусств. Но к началу двадцатого века у американцев появились свой стиль, свое видение. Выставка, на которой представлены были ставшие впоследствии столпами американского искусства Джеймс МакНил Уистлер, Джон Синджер Сарджент, Уильям Чейз, произвела большое впечатление на публику и многим запомнилась.

Джордж Иннесс (1825-1894) 'Солнечная осень', 1892

Сто лет спустя музей Карнавале попытался воспроизвести и саму историческую экспозицию, и ее атмосферу. Так же, как и в 1900 году, на нынешней выставке основное место занимает живопись, но представлены также скульптура, декоративное искусство, рисунки, фотографии и документы того времени. Из 256 произведений, составлявших экспозицию начала XX столетия, организаторы современной выставки смогли найти и привезти из-за океана только 98 работ. Некоторые полотна утеряны, некоторые находятся в таком состоянии, что непригодны для транспортировки, другие принадлежат частным лицам, и те не хотят или не могут их предоставить.

Альфред Морер (1868-1932) 'У окна', 1899-1900

Как бы то ни было, французы и многочисленные туристы имеют сегодня возможность узнать малоизвестные европейскому зрителю имена и увидеть то, что было для них недоступно.

Выставка открылась в Париже после того, как она прошла в Соединенных Штатах - в Висконсине, Огайо, Медисоне, Пенсильвании. Везде она имела ошеломительный успех.

"Оскар Рабин. Живопись 1990-2001"

Галерея Эрика де Монтебеля. Париж

(до 31 марта 2001)

Оскар Рабин

В самом центре культурной жизни французской столицы - в квартале Сен-Жермен - открылась ретроспективная выставка известного российского художника, основателя "лианозовской группы" Оскара Рабина. Галерея Эрика де Монтебеля, расположенная на улице Сены, представляет около двадцати работ мастера, созданные за последние десять лет.

Художник, ставший известным всему миру после так называемой Бульдозерной выставки, был выдворен из страны в 1978 году. С тех пор он живет и плодотворно работает в Париже. В живописи он остался верен выбранному стилю. Его работы отличаются нарочитой беднотой палитры и относятся к тому жанру, который можно определить как социальная живопись. В советском искусствоведениии появился другой термин - "барачная школа".

Оскар Рабин 'Свобода'. 1991

Все его картины пропитаны тревогой, даже в самый радужный период новейшей российской истории живопись Рабина была минорна. Сегодня он пытается осмыслить происходящее в России. Автопортрет, которым открывается каталог выставки, исполнен грусти и ностальгии по России. Яркое тому подверждение - его картины "Лианозово", "Безопасная бритва". В работах "французских" - таких, как "Улица в Бретани", "Дом в Нормандии" - вполне очевидна тоска по русским пейзажам. Видимо, не напрасно французы называют Оскара Рабина "Солженицыным живописи".

В эти же самые недели два десятка других работ Рабина того же периода выставлены в Нью-Йорке: художник одновременно отчитывается перед почитателями его творчества на двух континентах. Обе выставки были бы невозможны без спонсорской помощи поклонников Оскара Рабина в России.

"Джон Соан, мечта архитектора"

Исторический центр национального архива, дворец Роган. Париж

(До 16 апреля 2001)

Сэр Джон Соан

Как обычно, в здании национального архива открыта одна из самых интересных выставок французской столицы. Она невелика по размеру, но каждый экспонат тщательно подобран и полностью раскрывает все величие английского архитектора конца XVIII - первой половины XIX века Джона Соана (1753-1837). Как известно, английская школа архитектуры - не самая сильная в мире, тем ярче выделяются такие мастера, как Соан.

Во всем его творчестве прослеживается влияние античной культуры и итальянского Возрождения. Особое внимание архитектор уделял роли света в своих произведениях. Он был одним из первых, кто попытался "осовременить" язык классической архитектуры.

Дом-музея Джона Соана в Лондоне

Все его проекты отличаются большой оригинальностью: это видно на примере его собственного лондонского дома, зданий "Bank of England". Наиболее полно и самобытно он проявился в разработке интерьеров. Рабочими рисунками, макетами и акварелями интерьеров и открывается выставка. Кроме построенных зданий, Соан является автором и многих проектов, которые так никогда и не были реализованы.

Кроме того, что сэр Джон был сам творцом и создателем, он еще обладал и талантом собирателя. На выставке представлены рисунки, гравюры, картины, архитектурные детали - многочисленные экспонаты его коллекции.

"Арман-Умберто Эко: Двадцать инсталяций из предметов"
Взгляд Армана на двадцать веков. Встреча глагола и предмета.

Трапезная монастыря кордильеров.

(До 21 марта 2001 года)

Умберто Эко

Давные друзья и единомышленники - скульптор и художник Арман и писатель Умберто Эко - специально выбрали мистический интерьер трапезной монастыря кордильеров для своей концептуальной экспозиции, ставящей целью "встречу Истории с Искусством". В зале представлено двадцать инсталяций, каждая из которых является аллегорией определенного века из двухтысячной эпохи человечества, называемой "нашей эрой". Первый век символизирует сияющий крест, двадцатый - автомобиль Форда. Для авторов автомобиль является продолжением человеческого тела. Между этими двумя неотъемлимыми символами нашей повседневной жизни проходят все этапы развития человека. Например, IX век представлен в виде нуля: рождение математики. Арман считает, что без нуля не могла бы вообще существовать современная наука. Век XVI всем известен как век возрождения, а Умберто Эко представил его цепями рабов…

"Парижская школа 1904-1929"

Музей Современного Искусства в Париже

(1 декабря 2000 - 11 марта 2001)

Скульптура Константина Бранкузи

Под таким названием в 1925 году один из искусствоведов попытался объединить все новые течения живописи, скульптуры и фотографии, появившиеся в начале XX века. Все художники этой школы были иностранцами, приехавшими в Париж творить. Им удалось превратить этот город в мировой центр авангардного искусства.

Устроители выставки собрали работы 82 художников, которых на первый взгляд ничто не объединяет. Что, казалось бы, общего между Модильяни и Мондрианом, Пикассо и Марией Васильевой, Экстер и Бранкузи. Они все начали свою карьеру в Париже, одни потом вернулись домой, другие так навсегда и остались здесь, став - и лично, и своими произведениями, неотъемлемой частью французского искусства. Но из этого смешения разных культур и традиций появилось то искусство, которое и по сей день определяет художественные вкусы всего мира.

Пабло Пикассо 'Арлекин'

Выставка разделена на шесть частей и открывается картиной "Арлекин" работы Пикассо. Именно этот художник задавал тон в артистической жизни французской столицы, поселившись в 1904 году на Монмартре.

Вторая часть озаглавлена "Примитивизм и кубизм". Из представленных в этом разделе работ видно, что десятые годы прошлого столетия прошли в творческих поисках, поэтому так велико разнообразие стилей: примитивизм, футуризм, кубизм, абстракция… И так велико разнообразие имен: Архипенко, Липшиц, Цадкин, Мондриан, Бланшар, Ривера…

Леонард Фужита 'Салон Монпарнаса'

Третья часть под названием "Традиция и современность" представляет художников иммигрантов - Шагала, Зака, Де Кирико - тех, кто в своем творчестве пытался объединить традиции, в которых каждый из них вырос и формировался, с той культурой, в чью среду они попали. Естественно, воспринимал ее каждый по-своему.

Два следующих раздела целиком посвящены Парижу. Таким, каким его видела художественная богема прошлого века. Здесь представлены редкие фотографии самих художников. Можно увидеть работы Брассайя, Ман Рэя.

Марк Шагал 'Париж, увиденный из окна'

Иностранцы, поселившиеся в Париже, увидели его, конечно, совсем не таким, как французы, прожившие в городе всю жизнь. Но сегодня все смотрят на Париж скорее глазами Фужиты, Шагала, Пер Крога, Ван Донгена или Модильяни, чем глазами собственно французских художников. Последняя часть огромной экспозиции посвящена Сутину как художнику, определяющему сегодня, по мнению организаторов выставки, направление французской живописи.

"Альберто Джакометти: сотворение рисунка"

Национальный Центр современного искусства имени Жоржа Помпиду. Париж

(25 января - 9 апреля 2001)

Джакометти

Выставка с таким названием только что открылась в Центре Жоржа Помпиду. Альберто Джакометти входит в число легендарных творцов прошедшего столетия. В этом году французскому скульптору, родившемуся в итальянской Швейцарии, исполнилось бы сто лет, его юбилей будет праздноваться во многих странах, но торжества начинаются в Париже.

Cкульптура работы Джакометти

Французы решили представить зрителю совершенно неожиданного Джакометти: одного из лучших и наиболее эмоциональных рисовальщиков XX века. Для экспозиции отобраны двести работ - от первого портрета матери, созданного двенадцатилетним сыном знаменитого художника Джованни Джакометти в 1913 году, до последнего рисунка 1965 года, сделанного скульптором, вернувшимся умирать в родной город Стампа. Между этими двумя работами поместилась недолгая жизнь художника, прославившегося на весь мир своими хрупкими скульптурами, хотя настоящей его страстью было рисование.

Джакометти. Портреты Анетты, жены скульптора

Для Альберто Джакометти видеть - это прежде всего рисовать, попытка ухватить реальность. Он рисовал повсюду: в кафе, на ресторанных скатертях, в своем ателье, даже на стенах своего крохотного помещения. В музеях он копировал великих мастеров. А как же скульптура? По мнению Джакометти, она разновидность рисунка, только трехмерного. Живопись? Она тоже рисунок, только разноцветный.

Вот как описывают рисунки Джакометти организаторы выставки: "Его карандаш следовал за мастером, за его глазом и мыслью. Его линии всегда двоятся, умножаются, налезают друг на друга, вдруг обрываются или закручиваются, он накидывает сеть на реальность, чтобы ее ухватить и завладеть ею, избежать пустоты. Каждый его рисунок преодолевает пустоту, утверждает жизненное пространство."

"Обнаженная правда" - австрийский экспрессионизм: Бекль, Герстль, Кокошка, Шиль"

Фонд Дины Верни, музей Майоля. Париж

(19 января - 23 апреля 2001 года)

Герстль. Смеющийся автопортрет

Фонд известного коллекционера Дины Верни, чья галерея до сих пор считается одной из достопримечательностей Парижа, представляет в своих стенах произведения четырех мэтров австрийского экспрессионизма: Герберта Бекля, Рихарда Герстля, Оскара Кокошки и Эгона Шиля. Каждый из них представляет свое видение Nuda Veritas. Но никому из четырех художников не присущ тот утонченный эстетизм, который царил в австрийском искусстве начала XX столетия. Они порывали с консерватизмом и пуританством, царившим в Венском высшем обществе и в Австрии. Ни Кокошка, ни Шиль не хотели походить на Густава Климта и всех тех, кто пропагандировал декоративность в искусстве.

Шиль. Обнаженная на клетчатой ткани

Рихард Герстль первым выступил за "психологическую" живопись. Особенно поражает его автопортрет написанный за несколько дней до самоубийства. Кокошка, выдающийся портретист, пишет диспропорциональные лица, руки, тела, обращая особое внимание на позы и жесты своих моделей. У Эгона Шиля еще более деформированые тела, и лица искажены гримасами. Он всеми доступными методами привлекает внимание зрителя к человеческой плоти, всячески подчеркивая ее. Герберт Бекль пытается объединить экспрессионизм и декоративность. Все его персонажи невероятно выразительны, и каждый штрих художника подчеркивает, что все смертны.

Хотя выставка только что открылась, на это событие в парижской художественной жизни уже откликнулась вся французская пресса.

Музей супругов Жакмар-Андре. Париж

Музей, созданный супругами Жакмар-Андре, проводит редкую для французской столицы выставку, посвященную итальянской живописи XIV-XVI веков. Уже более двадцати лет парижане не видели подобной экспозиции.

Впервые можно подробно проследить развитие итальянской живописи от эпохи Треченто и до начала шестнадцатого столетия. На выставке представлены произведения самых разных стилей и жанров. Здесь же выставлены картины и на религиозные темы, мифологические сюжеты, много портретов. Живописцы тоже самые разные: Джотто, Брамантино, Синьорелли, Бернардино де Конти, но наряду с этими громкими именами можно познакомиться и с менее именитыми итальянцами, такими, как Цаноби Строцци или Франческо Вечелио, брат Тициана.

Надо отметить, что все выставленные экспонаты принадлежат музею, некоторые из них были специально отреставрированы и выставляются впервые.

"Азиатские степи от Александра Великого до Чингисхана"

Музей искусства Азии Гиме. Париж

(25 января - апрель 2001 года)

Здание музея Гиме

20 января после пятилетнего перерыва в Париже открылся музей Гиме. Он является самым полным в Европе хранилищем искусства стран Азии. Музей впервые открыл свои двери для публики во время Всемирной выставки 1889 года. И вот спустя столетие в музее были проведены огромные работы: полностью обновлено внутреннее архитектурное пространство, изменены экспозиция и освещение. На все потребовалось 350 миллионов франков, сорок из них были пожертвованы различными меценатами из Азии.

Отныне вся коллекция, включающая в себя экспонаты, принадлежащие разным цивилизациям, расположены в хронологическом порядке, причем каждая страна представлена отдельно.

Первый этаж полностью посвящен искусству Индии и его влиянию на развитие искусства соседних стран. На втором можно подробно ознакомиться с китайской каллиграфией и фарфором. На третьем и четвертом собраны живопись Китая, японские эстампы, буддистские скульптуры. Наконец, не пятом этаже представлены знаменитые китайские ширмы и росписная мебель.

Посетители могут теперь не только насладиться самой музейной коллекцией, но еще и видом Парижа, открывающимся с огромной террасы последнего этажа. Все, кто принимал участие в реставрационных работах, считают, что Эмиль Гиме, создатель коллекции, был бы счастлив, увидев, как преобразился музей.

С 25 января в музее Гиме проходит выставка "Азиатские степи от Александра Великого до Чингисхана".

Дворец Открытий. Париж

Во Дворце Открытий до 4 марта проходит выставка, которая еще раз подчеркивает, что Париж был и остается столицей парфюмерного искусства.

Выставка посвящена духам. Это познавательная прогулка по ароматам. На выставке посетитель узнает историю создания духов, процесс производства и познакомится с отдельным искусством создания флаконов для драгоценной жидкости. В выставочных залах знаменитые парфюмеры выстуают с лекциями и делятся своими секретами.

Культурный центр Курбевуа

Эмиль Золя

Золя, кадры его жизни - так озаглавлена выставка, проходящая в культурном центре парижского пригорода Курбевуа. Известный французский писатель представлен здесь не совсем обычно. Он выступает в роли фотографа. Показывают более сотни фотографий, сделанных Эмилем Золя на рубеже веков. У снимков, в сущности, две основные темы: виды Парижа и личная жизнь самого писателя.

На всемирной выставке 1900 года Золя выступил в качестве репортера, запечетлев на пленке почти все события и достопримечательности того времени. В объектив писателя попали и Эйфелева башня, и трамваи, почти все павильоны выставки.

Кроме того Золя обожал фотографировать своих близких: жену, любовницу, прислугу, на выставке много и автопортретов, благодаря чему есть возможность увидеть как бы нового Золя. Стойкий реалист в литературе, Золя остался верен реализму и в искусстве фотографии.

Контора Кука благодарит Сурию Садекову за подготовку данного раздела.